怎么才能让舞蹈看上去更美？从云门舞集“跳”出来的灯光设计师吴文安说——
我存了一道光，它终将出现在舞台上
吴文安（中左）为学员演示灯光效果。
这两天，来自全省各地40多名最拔尖的舞蹈创作人才都聚在杭州，参加培训。
这是中国舞蹈家协会举办的2018青年拔尖人才创作培养活动，请来的授课老师有国家大剧院舞美总监高广建、当代舞蹈艺术家赵梁、青年舞蹈家龚兴兴等。
昨天是培训的最后一天，浙江音乐学院思美广场的现代音乐厅里，台上的授课老师正在讲舞台灯光——他一件黑T恤配牛仔裤，挺拔的脊背，写字时利落的转身。举手投足间，全是舞者的功底。
这位知名灯光设计师、台北艺术大学舞蹈学院助理教授吴文安，原本就是一位舞者，从云门舞集，跳到了他现在从事的灯光设计。
他曾连续三年入围香港舞蹈年奖，获香港舞蹈年奖“杰出灯光设计”，并一直活跃着，为亚太地区知名舞团担任设计。
灯光是一门怎样的艺术？钱报记者昨天与他好好聊了聊。
曾是一名舞者
最好的灯光“应无痕”
在38℃的炎热天气里，听着吴文安软糯的“港台腔”，很悦耳。
“这堂课，要是放在学校里，我是要教36周的，”吴文安笑着说，“但是今天要在5个小时里讲完，只能讲超级浓缩版了。如果想要了解更多，可以去网上搜索，都能找到。”
在很多人的印象里，舞者到了一定年龄离开舞台后，或离开行业，或转做编导，像吴文安这样转去做幕后技术的，并不多见。
其实，这并不是他最早的选择，吴文安尝试过很多。还在担任舞者时，他就做过编舞，后来又做过音乐、视频，最后才选择了灯光。
为什么是灯光？理由很单纯，他曾是一个在舞台上领受刺眼光线的舞者，那些来自四面八方的强烈光线，令他在旋转时难以判断方向。就是那时，他想：如果我是灯光设计，会怎么做？
正是舞者的立场，让吴文安在进行灯光设计时，格外注意光线对舞者的影响，不断思考如何才能让灯光在不影响舞者表演的情况下，抒情表意。
无数次实践与研究后，吴文安的脑中形成了“最好的灯光是无痕的”设计理念：“好的舞台灯光应该是‘后知后觉’‘悄无声息’的。光有一种渗透力，能渗透气氛，渗透情节，渗透故事，最终把观众带入作品，让他们投入其中。” 吴文安说。
简约的舞台灯光
是未来舞蹈的趋势
吴文安经常受邀与大陆的一些舞蹈团体合作，他感觉到，近几年来，舞美灯光和观众审美都在发生着变化，两者相辅相成。
在某一个时期，舞台灯光设计曾经非常追求视觉刺激，用力营造绚丽夺目的东西，比如特别需要烘托气氛的主题晚会。但是，过于视觉化呈现的舞美和灯光，反而会喧宾夺主，观众的目光全被吸引了过去，没有余力再关注作品了。“现在，简约才是全球化的一种趋势，而且也越来越被观众所接受。”
比如“面光”（从观众席后方打向舞台正面的灯光）没有了。吴文安解释，“面光，在传统中国戏曲里必不可少，因为演员需要通过清晰的表情，去演绎作品。但在现代舞剧场中，舞者是可以通过肢体动作去完成叙述的。比如杨丽萍的舞蹈，大家很少会看到她的正脸，对吧？她用形体就展现出了孔雀的姿态。”吴文安表示，这就是现代舞里，面光用得越来越少的原因，一定程度上也促成了观众审美的变化。
还有一些变化，也让吴文安有些惊喜。他发现，在演出结束后，有许多观众会留下来参加演员们的“演后谈”，提问还很积极，什么都问。“观众越来越热情，这份热情对青年创作者来说，是很有好处的。”吴文安说。
“灯光永远是整个作品里最后完成的一环。站位、舞美、服装，任何的变化都会对灯光设计产生影响，但它又是不可或缺的一环。没有光，观众什么都看不到。”吴文安说着，用随身携带的手电筒，对着手边的一盆蝴蝶兰，演示了在不同强度和颜色的光源照射下，同样的花与叶如何呈现出不同的感觉。
职业让他特别敏感于光的变化，调光成了他日常生活中一件很有意思的事，比如住酒店，他就会研究房间里的灯的明暗调节等。
因此，捕捉生活中所看到的任何动人光线，也是吴文安的乐趣之一。他不用“我拍了一张照”这样的说法，而是说“我存了一个光”。
存的这些光，终会出现在他的作品中。
陈淡宁
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